- Contenido
Este proyecto de grado se manifiesta como el último paso en
mi plan de estudios como aspirante al título de diseñadora gráfica, en el cual
todos y cada uno de los conocimientos adquiridos tanto dentro como fuera de la
carrera se juntan y se manifiestan en lo que será de aquí en adelante mi
pensamiento y metodología de diseño. Unos más presentes que otros, todos fueron
esenciales no sólo para profundizar sobre el qué hacer del diseño, o los
diferentes pensadores que de él han hablado, sino también para aprender a
seleccionar e interiorizar aquello que me marca como persona y que en el
momento de proponer me marcará como profesional.
La finalidad de este proyecto, aunque se trata de mostrar el resultado de estos años de experiencias de todo tipo, no es entonces abarcar cada área del conocimiento con la cual he tenido contacto pues sería demasiado grande y poco práctico; sin embargo insinuaciones de todo lo vivido aparecerán a lo largo de la planeación y ejecución de este, dando paso a aquellas cosas que me influenciaron con más fuerza, convirtiéndose en los pilares de mi proceso creativo. Es así que el objetivo primero es definir y depurar estos pilares.
La finalidad de este proyecto, aunque se trata de mostrar el resultado de estos años de experiencias de todo tipo, no es entonces abarcar cada área del conocimiento con la cual he tenido contacto pues sería demasiado grande y poco práctico; sin embargo insinuaciones de todo lo vivido aparecerán a lo largo de la planeación y ejecución de este, dando paso a aquellas cosas que me influenciaron con más fuerza, convirtiéndose en los pilares de mi proceso creativo. Es así que el objetivo primero es definir y depurar estos pilares.
Es con esta cita del reconocido fotógrafo que empiezo a entender lo que es mi visión de la fotografía y del diseño en general; aunque probablemente llevo las palabras de Adams a un nivel más literal, he descubierto que más allá de mi pasión por la moda, la fotografía, la ilustración y la tipografía, para mi el diseño es un compuesto y es tal vez por esta razón que me resulta complicado separar o escoger entre sus partes. El diseño gráfico es comunicación, que aprovecha la condición de ser visual del hombre para hacerle aprehender un mensaje, dejando los elementos usados para expresarlo en un plano que cada vez importa menos teniendo en cuenta que el comunicar algo no depende únicamente de una imagen o una palabra,sino del conjunto de todos estos y es así que las herramientas visuales se mezclan cada vez más unas con otras y el espacio para innovar pareciese infinito.“No se toma una foto, se hace una foto”- Amsel adams
Es a causa de esta atención a las cosas que comunican que me apasiona el detalle; encontrar fragmentos en cada esquina con un pequeño mensaje, o así mismo utilizarlos. de esta manera llego a la dirección de arte y encuentro en ella la posibilidad de reunir todos aquellos elementos del diseño en pro de la comunicación, el espacio para afinar por encima de cualquier otra técnica la atención al detalle; tanto para proponerlo como para saberlo encontrar en todo tipo de referente.
Conociendo entonces el camino, sabiendo que cada detalle
tiene la posibilidad de expresar, siento que cada uno de ellos debe ser
planeado detenidamente, estrechando aún más la relación entre lo que para mi es
comunicar y crear, llegando de esta manera a lo construido, es decir: lo irreal
- Ficción, realidad y comunicación
Entonces ¿qué define lo irreal? ¿Cómo se crea? tan solo la
subjetividad de un relato basta para referirnos a una nueva realidad; está en
manos del emisor entonces decidir en la medida de lo posible de cuantas
características reales dotará a su relato; sin embargo, la responsabilidad
sobre la ilusoria división entre lo real e irreal reside también en el receptor
de dicho mensaje: el seleccionar los elementos extremadamente falsos en cierto
fragmento, incluso si es presentado con evidente falsedad, el saber que aquello
que hoy conocemos como irrefutable verdad es variación de lo que alguna vez fue
real y juzgar todos los relatos que reciba para poder diferenciar una
característica verdadera de una creación saturada con los estereotipos de la
experiencia o de la ficción; la cantidad de expectativa y de verdadera
contemplación que decida utilizar.
Es de esta manera que se aborda todo un mundo de teoría
sobre la irrealidad plasmada en el lenguaje de la imagen; siendo la fotografía
la protagonista en razón de la estrecha relación que tiene con la realidad en
el imaginario colectivo:
[The elemental Illusion of photography] the illusion that something was there in the world and the photograph is a thrace of it>>- Jeff Wall
En sí misma, la fotografía representa una abstracción de la
realidad; haya sido alterada en pre o post producción o no. el funcionamiento
del aparato fotográfico en sí es el más sintético esfuerzo por recrear el ojo y
la memoria humana y el simple hecho de tomar una fotografía u observarla es un
acto de ficción: por un lado hace que lo capturado exista, lo inmortaliza, pero
por el otro, el acto de fotografiar implica distanciarse de eso que queremos
capturar, es decir alejarnos de esta realidad para prestar atención a la
cámara; perdérnoslo para luego apreciarlo, pero eso que se aprecia luego ya no
es la realidad pura, sino que ha sido afectada por la subjetividad del punto de
vista de quien la tomó. De esta manera, incluso la fotografía más apegada a la
realidad es un acto de ficción creado por el fotógrafo; la cantidad de
irrealidad capturada se halla en la decisión de cada persona, en mi caso el
gusto por lo evidentemente falso reside en mi gusto personal.
Es entonces la fotografía la que más permite jugar con el concepto de irrealidad y de construcción y al mismo tiempo transmitir mensajes gracias a los imaginarios colectivos y la relación entre fotografía y memoria que expresa al mismo tiempo lo que un observador busca en una fotografía y lo que se plasma en ella.
Es entonces la fotografía la que más permite jugar con el concepto de irrealidad y de construcción y al mismo tiempo transmitir mensajes gracias a los imaginarios colectivos y la relación entre fotografía y memoria que expresa al mismo tiempo lo que un observador busca en una fotografía y lo que se plasma en ella.
Acto seguido reviso en la fotografía esta relación y
encuentro que los fotógrafos que tomo como referentes, tienen en común el haber
estudiado la naturaleza de la relación realidad - fotografía; han aceptado la
innegable ausencia de realidad en el acto fotográfico y la han interiorizado a
tal punto en que su estilo se trata de su reinterpretación de esta irrealidad.
Tim Walker
When you're
a fashion photographer everything is contrived from the start, nothing is real.
What you're trying to do is make a real moment happen by installing
genuineness into the artifice"
Fotógrafo británico nacido en 1970.
Se muda a Nueva York para ser el asistente de tiempo completo del fotógrafo de moda Richard Avedon. Su trabajo Storyteller es expuesto en Somerset House (Londres) en 2012 y luego publicado como libro.Muestra de su trabajo
Se muda a Nueva York para ser el asistente de tiempo completo del fotógrafo de moda Richard Avedon. Su trabajo Storyteller es expuesto en Somerset House (Londres) en 2012 y luego publicado como libro.Muestra de su trabajo
Jennifer Lawrence September 2012
Lo que Tim Walker hace según Luisa es crear cuentos,
aprovecharse de todos los recursos, más allá de las modelos y las luces, el
muestra historias completas, imposibles, impone un toque de elegancia o de
humor a situaciones completamente irreales, hace de personajes famosos sus
payasos, de elegantes modelos sus muñecas y de la fantasía su realidad, sin
llegar jamás a agotarse o repetirse pues, en mi opinión, la fantasía es un
universo infnito creado por miles de mentes al que todos podemos acceder desde
nuestro particular punto de vista.
Lo que Tim
Walker hace según el mismo Turn daydreams into photographs
Tilda Swinton in 'The Surreal World' by Jacob K. & Tim Walker, W Magazine,
December 2014.
Rescato además que más allá de ser fotografía de moda, la
elegancia y el estilo están implicitos, parecen más bien los sueños extraños de
la persona más elegante del planeta. Pienso que más que que un fotoógrafo de la
moda, Tim Walker es un fotógrafo de la fantasía.
Paolo Ventura
Ver las maquetas de este fotógrafo italiano es todo lo que
se necesita para comprender eso de "crear un universo". Paolo Ventura
controla muy meticulosamente no sólo el lugar exacto donde se desarrollan sus
historias, sino todo lo que un lugar puede transmitir: la textura de una pared,
el vacío de un lugar, el embiente, etc.
Pierre Et Gilles
Pierre Commoy le brun solaire (el castaño solar) es un
fotógrafo francés nacido en 1950 que trabajó para revistas como "Rock and
Folk" e "interview" y Gilles Blanchard le blond ténébreux (el
rubio tenebroso) pintor francés se conocen en París en el año1976 donde de
vuelven compañeros sentimentales y un año después compañeros de trabajo.
Autorretrato
Sus imágenes se caracterizan por ser piezas únicas con
trajes y locaciones construidas por ellos y pintadas a mano por Gilles, también
es notoria su influencia del glamour, el kitch y la sobrecarga de elementos
tanto del barroco como del arte hindú.
Zahia, 2012
Paolo Roversi
For me photography is not a reproduction of reality, is a
revelation
Paolo Roversi es un fotógrafo italiano nacido en 1947 en
Ravenna. Su primer interés en la fotografía se da durante unas vacaciones en España
cuando tenía 17 años y retrata a toda su familia. Al regresar de estas
vacaciones empieza a revelar fotografías con el cartero local Battista
Minguzzi.
Vogue italia 2011
Su acercamiento a la fotografía empieza como aprendiz de
Nevio Natalli, un fotógrafo profesional local, sigue con encargos para la
Associated Press, luego con su propio estudio de retrato junto a Giancarlo
Gramantieri, pero no es sino hasta 1971, cuando conoce al director de arte de
Elle Magazine que es invitado a parís, a donde se muda permanentemente en 1973
y donde inicia su interés por la moda.
Vogue italia
Eugenio Recuenco
Nacido en Madrid, España, que trabaja principalmente en los
campos de la edición y publicidad. Comparado con otros, su estilo personal ha
sido referido como "cinematográfico" y "pictórico". Su
trabajo ha aparecido en revistas como Vogue, Madame Figaro y Twill
La extraordinaria fantasía lograda en sus fotografías se
debe a la gran capacidad de narración, compleja puesta en escena y formato
alargado cinematográfico.
David LaChapelle
La fotografía es donde el mundo puede ser más bonito; más
brillante
La sobrecarga y el control de los elementos en sus fotos,
además de lo controversiales que pueden llegar a ser lo hacen una gran
inspiración, veo la elaboración y el resultado final de sus fotografías como el
juego que como fotografa aspiro a jugar algún día, y utilizo la palabra juego
pues utiliza cantidades enormes de referencias, personajes, lugares, conceptos
y los junta de una manera divertida, innovadora, de una manera que ningún otro
fotógrafo (en mi opinión) es capaz de juntar tantos elementos
Bjork - Interview Magazine
Finalmente y para cerrar el tema de las creaciones de la
mente, es necesario repasar la irrealidad desde un punto de vista médico,
revisando brevemente los tipos de cambios a la realidad que pueden surgir de la
mente humana dependiendo del trastorno que la aqueje y tomandolos como un punto
de referencia en cuanto a las posibles formas de intervenir la realidad en mi
proyecto.
I. Psicósis. (o lo que está relacionado con la modificación
directa y evidente de la realidad en una imagen)
Término utilizado en la psicología clínica y psiquiatría que
se refiere a la escisión o pérdida de contacto con la
realidad. ejemplo:
- Esquizofrenia
Griego
σχίζειν {schizein} dividir, escindir, hendir,
romper y φρήν {phrēn} entendimiento, razón, mente
Diagnóstico psiquiátrico que se utiliza para personas con un
grupo de trastornos mentales crónicos y graves, caracterizado a menudo por
falta de percepción de la realidad, alteraciones en la percepción o en la
expresión de la alteración de la realidad.
{ Alteración de la realidad }
II. Neurósis (o lo que está relacionado con modificaciones
causadas por la subjetividad o intervenciones sutiles acudiendo a estereotipos
colectivos)
Término de la psicología clínica que agrupa los trastornos sensoriales y motores causados por enfermedades del sistema nervioso. ejemplo:
Término de la psicología clínica que agrupa los trastornos sensoriales y motores causados por enfermedades del sistema nervioso. ejemplo:
- Trastorno límite de la personalidad
Definido como «un trastorno de la personalidad que se
caracteriza primariamente por inestabilidad emocional, pensamiento
extremadamente polarizado y dicotómico y relaciones interpersonales caóticas».
También incluye típicamente una inestabilidad generalizada del estado de ánimo,
de la autoimagen y de la conducta, así como del sentido de identidad, que puede
llevar a periodos de disociación. Debe su nombre al hecho de estar en el límite
entre la psicosis y la neurósis
{Inestabilidad en el estado de ánimo y el sentido de
identidad}
- Arte
Habiendo entonces delimitado tanto el espacio de trabajo
como el interés de este, y revisado referentes fotográficos, el paso a seguir
cronológicamente hablando es mirar atrás en el arte, la manera en que
corrientes enteras de artistas han abordado cada una de las pautas que
conforman mis intereses y la que será mi metodología como diseñadora o
directora de arte de afrontarlas
1. Influencias directas
1. Influencias directas
- Surrealismo
francés
surréalisme; sur ['sobre, por encima'] más réalisme ['realismo']
Giuseppe Arcimboldo, Vertumnus
Los surrealistas señalaron como precedentes de la empresa
surrealista a varios pensadores y artistas, como el pensador presocrático
Heráclito, el Marqués de Sade y Charles Fourier, entre otros. En la pintura, el
precedente más notable es Hieronymus Bosch "el Bosco", que en los
siglos XV y XVI creó obras como "El jardín de las delicias" o
"El carro de heno". El surrealismo retoma estos elementos y ofrece una
formulación sistemática de los mismos. Sin embargo su precedente más inmediato
es el dadaísmo, corriente de la que retoma diferentes aspectos.
René Magritte
El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926.
Salvador Dalí
Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo
fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las
distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había
hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de
inspiración a Miró.
Joan Miró
René Magritte
En el terreno literario, el surrealismo supuso una gran
revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de composición.
Como no asumía tradición cultural alguna, ni desde el punto de vista temático
ni formal, prescindió de la métrica y adoptó el tipo de expresión poética
denominado como versículo: un verso de extensión indefinida sin rima que se
sostiene únicamente por la cohesión interna de su ritmo. Igualmente, como no se
asumía la temática consagrada, se fue a buscar en las fuentes de la represión
psicológica (sueños, sexualidad) y social, con lo que la lírica se rehumanizó
después de que los ismos intelectualizados de las Vanguardias la
deshumanizaran, a excepción del Expresionismo. Para ello utilizaron los
recursos de la transcripción de sueños y la escritura automática, y engendraron
procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria. El lenguaje se
renovó también desde el punto de vista del léxico dando cabida a campos
semánticos nuevos y la retórica se enriqueció con nuevos procedimientos
expresivos.
- Barroco
Finales del siglo XVI o inicios del XVII a principios del
XVIII
Derivada de la palabra portuguesa "Barrôco", la
española "Barrueco" y la francesa "Baroque". Todos términos
que se refieren a una perla irreuglar o imperfecta
Oxford English Dictionary
2. adj. Excesivamente recargado de adornos.
RAE
En el siglo XVII y XIX era un término peyorativo que
significaba recargado, engañoso y caprichoso hasta que es revalorizado a
finales del siglo XIX.
1. adj. Se dice de un estilo de ornamentación caracterizado por la profusión de
volutas, roleos y otros adornos en que predomina la línea curva, y que se
desarrolló, principalmente, en los siglos XVII y XVIII.
RAE
Asunción de Nuestra Señora, 1723
Fué un periodo artístico en el cual la pintura, escultura,
arquitectura, literatura etc se vuelven más refinados y ornamentados, se
descubre un gusto por lo sorprendente y lo anecdótico, se da prioridad a la
representación realista. El hombre se enfrenta a una cruda realidad por medio
de adornos excesivos pero al mismo tiempo mediante efectos forzados, fuertes
contraste de luces y sombras, tendencia al desequilibrio y representaciones de
la inevitabilidad de la muerte.
"No es casual que en el fastuoso estilo de vida de la época se esconda con frecuencia la referencia a lo efímero, por ejemplo a través de un gusano, de una baya podrida o de un trozo de pan mordido"Barbara Borngasser/Rolf Toman
Judith decapitando a Holofernes, Caravaggio, 1598-1599
Judith decapita a Holofernes, Artemisa Gentileschi, 1620-1621 (Ejemplo de
caravaggismo)
La popularidad del barroco fué promovida por la iglesia, que
en respuesta a la reforma protestante, decidió que las artes debían mostrar
temas religiosos en una manera emocionalmente directa. La aristocracia también
vió el estilo dramático del barroco como una forma de de impresionar a los
visitantes expresando triunfo, poder y control.
Louis XIV de Francia, Hyacinthe Rigaud, 1701
Algunos historiadores dividen el barroco en tres periodos: primitivo (1580 - 1630), maduro o pleno (1630 - 1680) y tardío (1680 - 1750).
Otro referente interesante es Maria Antonieta, quien es retratada en su juventud por artístas del tardío barroco y en su adultez por artístas del rococó o neoclásico. La menciono brevemente como referente ya que en la actualidad vemos una película inspirada en al joven Maria antonieta, que si bien se aleja de los hechos históricos, estéticamente mezcla influencia barroca con una estética pop y juvenil.
Maria Antonieta, Martin van Meytens, entre el 1767 o 1768
Maria Antonieta, Película de Sofía Coppola, 2006
2. Influencias específicas
- Arte pop
El surgimiento de una cultura popular de masas era históricamente tan inevitable como el advenimiento de una respuesta artística final al mismo.
Eric Shanen/Tradición del arte pop
Sandy skoglund
A finales del siglo XVIII luego de la era moderna y
tecnológica e importantes cambios que llegaron con la revolución industrial, la
de Francia y la de Estados Unidos, beneficios como la participación en la
política, el trabajo mejor remunerado, mayor individualismo, mejor vivienda,
sanidad, educación y movilidad surgen junto a situaciones como la manipulación
política, explotación económica y globalización.
Stuart Davis, Lucky Strike, 1924
Surge entonces como respuesta a todo esto en los años
50s un arte que expresa la inconformidad con esos trabajos iguales y tediosos,
el consumismo generado por la gran explotación económica y la pérdida de
identidad nacional que viene ligada a la globalización.
Roy Lich Tenstein, obra maestra 1962
El Pop art sin embargo no tiene las características de un
movimiento artístico normal, pues no se crea un manifiesto respecto a el, por
el contrario en Estados Unidos (uno de los países donde más se vio el pop art) donde se ve un bienestar material creciente y el recuperar
de una guerra, los artistas sienten las mismas inconformidades y se ven
sumergidos en una nueva cultura consumista que los lleva, independientemente a
llegar a las mismas conclusiones. Es por esto, que a un momento artístico como
el pop art, donde los artistas nisiquiera estaban en contacto directo ni
escriben un manifiesto, es más preciso llamarlo una dinámica cultural que un
movimiento en si.
- Arte naif
francés
naïf:
Ingenuo
Henri
Rousseau - Myself, portrait, landscape
Corriente artística caracterizada por la ingenuidad y
espontaneidad, el autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y
contrastados y la perspectiva acientífica captada por intuición. En muchos
aspectos, recuerda (o se inspira) en el arte infantil, muchas veces ajeno al
aprendizaje académico.
El auto didactismo que practican la mayoría deriva del deseo
de huir del academicismo para conseguir unas manifestaciones artísticas menos
contaminadas por los convencionalismos.
Séraphine Louis - Feuilles
El concepto naíf, del francés naïf, alude no solo a cierto
estilo, aplicado en el arte, sino que se formaliza en una graciosa falta de
conocimientos técnicos y teóricos: en algunos casos suele faltar un sistema de
perspectiva o una línea de fuga así como un ajustado criterio de las
proporciones o un elaborado trabajo cromático por lo que podríamos decir que
los autores pintaban lo que ellos deseaban o les parecía más adecuado sin
atenerse a ninguna norma. En este sentido lo naíf puede estar dado por dos
motivos distintos aunque no excluyentes: en primer lugar una ignorancia
("ingenuidad") respecto a las técnicas y teorías para realizar obras
de arte y en segundo lugar por una búsqueda (consciente o no) de formas de
expresión que evocan a la infancia y en tal caso la sencillez aparente es un
elaborado esfuerzo de evocaciones, en el segundo de los casos para que el naïf
sea auténtico la intención prístina ha de ser precisamente expresar formalmente
lo que evoque a una infancia supuestamente ingenua
Louis Vivin - Au bord de la rivière en hiver
- Kitsch
Alemán
Kitschen: barrer mugre de la calle.
El termino kitsch surge hacia los años 1960 - 1970 para
describir bocetos baratos, de mal gusto y fácilmente comercializables, a partir
de esto se adopta para describir el mal gusto de los nuevos ricos, que aunque
adinerados, carecían del estátus cultural de las élites. Un claro ejemplo de
esto se da en California hacia los años 1910 - 1930 cuando recién adinerados
inmigrantes europeos intentaron recrear el estilo de auténticos nobles europeos
comprando títulos en subasta, creando pinturas de falsos antepasados ilustres y
construyendomansiones que mezclaban estilos arquitectónicos como el florentino,
rústico, barroco y gótico o incluso trayendo piedra a piedra castillos
europeos.
Esta tendencia a aparentar lo que no se era es luego
asociada con el consumismo y es así como visualmente el kitsch es representado
por elementos puntutales como lo recargado, materiales como el plástico
(imitando materiales más finos con el fin de aparentar) y en general el uso de
clichés.
Dentro de los usos interesantes que se da de la palabra
kitsch en el arte, se menciona a los representantes del surrealismo: Dalí y
Magritte como los primeros artístas en incorporar elementos de gusto dudoso en
su obra. Finalmente encuentro referencias al neobarroco, nombre de dos
corrientes diferentes que se dan, una hacia la segunda mitad del siglo XIX y la
otra hacia finales del siglo XX e inicios del XXI, donde los elementos en común
son el uso de lo recargado, cierta lujuria, exhuberancia y desestructuración.
(...) Una categoría estética de nuestra contemporaneidad que no tiene que ver con una sistematización del mal gusto, sino con una exacerbación de lo artificial y desmesurado- Federico Jorge Klem sobre el kitsch
- Moda
Habiendo referenciado el arte y sus corrientes de mayor
interés, paso al que es mi siguiente gran pilar en cuanto a mi proyecto, mi
vida y el diseño en general: La moda. Desde niña me he interesado por la
moda y además de todas sus posibilidades estéticas en cuanto a tejidos,
estampados y formas, resalto la capacidad de expresión que en ella se tiene; la
indumentaria tanto actualmente como en la antigüedad ha servido para expresar
actitudes, situaciones sociales o religiosas, creencias etc. especialmente si
es retratada (ya sea en fotografía, grabado, pintura etc) pues además del acto
de escoger un vestuario encontramos que al ser retratada el cuidado en cuanto a
la vestimenta, los accesorios que la acompañan e incluso la manera de mostrarlo
(pose) se escogen con mucha más minuciosidad (y volviendo al tema anterior,
mucha menos naturalidad).
Existen en la moda estereotipos fuertes que han comunicado
ideas a lo largo del tiempo, así las personas estén tan acostumbradas que no
noten que sucede en muchos momentos. Encontramos los “objetos del deseo”
dentro de la moda, que son los que nos aportan pistas sobre el sentido del que
la vestimenta está saturada más allá de la simple función de abrigarnos, ya lo
dice barthes: ce n'est pas l'objet, c'est le nom qui fait désirer. (No es el objeto, es el nombre el que hace desear)
Con esto en mente damos un vistazo a la antiquísima historia
de la moda, que aunque no es tan ampliamente estudiada como la del arte, es
casi igual de antigua excepto tal véz por el arte de las cavernas donde
el contenido se centra en animales de caza.
La manera de vestir que encontramos registrada en
jeroglíficos, grabados, pinturas, esculturas, etc nos dan cuenta de toda una
época: sus costumbres, sus recursos, su jerarquía, su manera de percibir la
guerra, su religión etc. En un primer acercamiento a las culturas más antiguas
y a su manera de vestir comparto algunas láminas que condensan datos de
murales, pinturas, vasijas etc de las primeras civilizaciones de la tierra, que
por una parte nos dan muchas herramientas visuales para aprender y comparar
aspectos de varias culturas pero también enriquecen nuestro universo visual y
se convierten en los primeros referentes de trabajos que veremos en distintos
espacios o que no hemos creado aún.
Vemos en estas láminas por ejemplo la diferencia de la concepción de la guerra y de los materiales que utilizaban en todos estos periodos de tiempo; Los guerreros como alguien elegante, de importancia, que merece llamar la atención, vemos también la limitada protección de algunos de ellos, pero vemos también como la moda no era (y nunca ha sido) exclusiva del género femenino, vemos también pliegues: capas de ropa y mantos, accesorios, prendas de vestir y accesorios no simplemente funcionales sino decorados con grabados, colores y arandelas.
Sin embargo ¿cómo reunir estos datos?
Junto a descubrimientos arqueológicos, toda está información está presente en el arte de cada civilización: en una jarra, en un cuadro, inclúso en periodos como el griego y el romano donde el arte era una constante búsqueda de los cánones y la mayoría de sus obran fueron arquitectónicas y escultóricas desnudas. Piezas como estos mosaicos nos dan pistas en cuanto color, forma y material de la vestimenta en general y nos aportan diferenias de mismas prendas desarrolladas por diferentes civilizaciones, conocimiento que afecta a la moda incluso ahora.
Guerrero romano, Guerrero griego, Arquero tártaro, Jefe de guardia imperial
chino, guerrero galo e infante franco
Vemos en estas láminas por ejemplo la diferencia de la concepción de la guerra y de los materiales que utilizaban en todos estos periodos de tiempo; Los guerreros como alguien elegante, de importancia, que merece llamar la atención, vemos también la limitada protección de algunos de ellos, pero vemos también como la moda no era (y nunca ha sido) exclusiva del género femenino, vemos también pliegues: capas de ropa y mantos, accesorios, prendas de vestir y accesorios no simplemente funcionales sino decorados con grabados, colores y arandelas.
Sin embargo ¿cómo reunir estos datos?
Junto a descubrimientos arqueológicos, toda está información está presente en el arte de cada civilización: en una jarra, en un cuadro, inclúso en periodos como el griego y el romano donde el arte era una constante búsqueda de los cánones y la mayoría de sus obran fueron arquitectónicas y escultóricas desnudas. Piezas como estos mosaicos nos dan pistas en cuanto color, forma y material de la vestimenta en general y nos aportan diferenias de mismas prendas desarrolladas por diferentes civilizaciones, conocimiento que afecta a la moda incluso ahora.
Mosaico romano
Crátera griega
Manto egipcio, traje femenino y masculino árabe, traje de
ceremonias chino, traje femenino galo, kimono japonés
A la izquierda reina con dos miembros de la nobleza, a la
izquierda rey con oficial de la corte y abanicador, Egipto, Andreas Müller
Vemos acá por ejemplo lo que es un traje cotidiano (con
excepción del chino) y los diferentes cortes y dobleces que se le da en cada
caso, los colores, texturas y largos, así como lo que hace a especial a cada
manto por diferentes motivos económicos o sociales. El traje femenino de los
francos por ejemplo, era descrito como un simple manto hasta que con el botín
de conquistas de guerra se cambiaron por trajes más finos, bordados y decorados
de influencia bizantina. Otro ejemplo es el Himation griego, el cúal era usado
de manera muy diversa entre las mujeres, donde las atenienses destacan por
haberle dado características mas coquetas y femeninas que el resto de mujeres
griegas.
Traje femenino franco
Reyes y nobleza franca, Andreas Müller
Bautismo de Clodoveo I, que lo convirtió en el primer rey
franco-cristiano
Himation Ateniense
Sacerdotisa, mujeres nobles y capitanes Griegos, Andreas
Müller
Vemos otro ejemplo del mismo uso del himation ateniense.
Vaso griego
Otro elemento diferenciador y muy rico visualmente son los
diseños de las telas de las diferentes partes del vestuario, así como sus
accesorios. vemos acontuación la impresionante variedad y evolución del calzado
romano así como la riqueza de la joyería en el periodo bizantino. Finalmente
veremos más adelante una comparación entre las telas con diseños ricos de
diferentes culturas incluyendo la hindú (la cual ha sido fuerte inspiración
para algunos de mis referentes).
Calzado romano
Pintura de una casa en Pompeya - arte romano
collar del bizancio
Mosaico bizantino
Mosaico de los Comneno (importante familia dinástica
bizantina)
Interior de San Vital de Ravena - arquitectura bizantina
Paje, emperador, sirviente, emperatriz y princesa
bizantinas, Andreas Müller
Tunica Kaunace asiria, tejido mudéjar árabe, tejido
hispanoárabe y bordado hindú
Genio alado en ladrillo del palacio de Khorsabad y su
representación en un libro - asirios
Vestimenta asiria masculina, Andreas Müller
Baptisterio de san Luis en cuenco árabe
miniatura rajput de Krishna y Radha en un pabellón - arte
hindú
Estudio de poses
Como primera actividad a desarrollar, debo aislar las características claves que quiero representar y encontrar con que poses lo he logrado identificar en lo que llevo de proyecto y luego, fuera de la mirada que busca en cuanto a fotografía o arte, quise mirar una revista de moda y simplemente ver cuantos de estos elementos podía encontrar en una sola edición.
Indumentaria Eclesiástica siglo XIV
Partiendo del hecho de que ya tengo un elemento identificado en cuanto a pose (piernas), decidí dar una mirada atrás para marcar un referente sólido en cuanto a pose pues aunque se que lo he repetido a lo largo de mis posts, en el momento de realizar la primera toma de prueba de poses fue necesario un "repaso" para mirar estos elementos únicamente.
{ Poder, control, belleza, triunfo, superioridad }
Como primera actividad a desarrollar, debo aislar las características claves que quiero representar y encontrar con que poses lo he logrado identificar en lo que llevo de proyecto y luego, fuera de la mirada que busca en cuanto a fotografía o arte, quise mirar una revista de moda y simplemente ver cuantos de estos elementos podía encontrar en una sola edición.
Paolo Roversi, Ruven afanador
Hyacinthe Rigaud, Martin van Meytens
Vestido principesco 1625-1640, María Ana de Bavaria, Sandro Boticelli (renacimiento)
Sandro Boticelli (renacimiento) y David Lachapelle
Mujer ateniense, sacerdotisa griega
Pierre et gilles, Olivia Harrison, Nancy Zhang
Ingres (neoclásico), Tim Walker
Revista Vogue, diciembre de 2007
Publicidad de prada, publicidad de David Yurman, publicidad de DeBeers
Publicidad de Di Modolo, Josephine de Beauharnais en artículo sobre la primera dama francesa, Publicidad de Michael Stars
Artículo sobre viajes con foto por Mario Testino, Artículo sobre Penélope Cruz con fotos por Annie Leibovitz
Artículo sobre Penélope Cruz con fotos por Annie Leibovitz, Artículo sobre vestidos de coctel dorados con fotos por Patrick Demarchelier
Indumentaria Eclesiástica siglo XIV
La indumentaria eclesiástica surge al pasar de los siglos
dividiéndose en hábito religioso, especiales para religiosos dedicados al
servicio en conventos o monasterios, el traje eclesiástico, propio del clero en
la sociedad y los ornamentos sagrados para momentos en los cuales estos lideran
funciones sagradas. Sin embargo, a continuación se hará una pequeña mención de
los hábitos, que en cuanto a indumentaria son los que conciernen a este
proyecto.
El hábito surge como la mayor reducción de la túnica o manta
de los trajes civiles de los primeros cristianos, utilizada como hábito de las
personas que se consagraban aisladamente a la vida religiosa, sin embargo al
empezar a reunirse en monasterios, se establecen en el siglo VI las piezas del
hábito regular de los monjes de esta manera:
- Túnica: Propiamente llamada hábito es una vestidura de lana.
- Escapulario: A modo de banda con capuchón para la cabeza que cubre los hombros y pende por delante y por detrás.
- Cíngulo: cinturón para sujetar la túnica sobre todo en marchas y trabajo
- Cogulla: Amplia túnica provista de grandes mangas y de capuchón que se lleva en determinadas funciones sobre el resto de prendas; al parecer proviene del capote de los campesinos.
El color de los hábitos era de color negro o café oscuro,
hasta que a comienzos del siglo XX los cisterciences lo adaptaron blanco para
sus coristas y sacerdotes. Así mismo el color del hábito o ciertas
características específicas de sus componentes servían para diferenciar
diferentes órdenes de monjes así:
negro en los Agustinos, Servitas y Mínimos
negro o gris en los Franciscanos Conventuales
blanco en los Dominicos y en muchos países con climas
tropicales como los situados en África
pardo en los Franciscanos
castaño en los Carmelitas
Así mismo cabe señalar que las órdenes mendicantes surgidas
en el siglo XIII sustituyeron la cogulla por el manto o incluso la suprimieron.
Izq. monje Dominico. Der. Monje Benedictino, grabados de Wenzel Hollar S XVII
Después de esta revisión y habiendo examinado las imágenes, encontramos la gran cantidad de signos y símbolos que encontramos en las representaciones de la moda; más allá de una prenda tenemos los accesorios, materiales, dobleses, variaciones e incluso poses.
Finalmente se encuentra el motivo de este proyecto;un tema
para poner en práctica eso en lo que me quiero convertir y donde puedan
converger los pilares que mencioné anteriormente: la novela El nombre de la
rosa: un libro donde se mezcla una intrigante narrativa junto con los
conocimientos semióticos de Umberto Eco que me parecen tan complicados como
interesantes en una historia con tantas lecturas que el lector puede descubrir
tantos datos como conocimientos posea.- El nombre de la rosa
stat rosa pristina nomine, nomine nuda tenemus
Umberto Eco
Permanece la rosa primigenia de nombre, nombres desnudos
conservamos, es la frase con la que un anciano Adso termina la narración de
este libro, refiriéndose a todo y a nada a la vez. El mismo Eco en las
apostillas habla de como el título el nombre de la rosa fue casi casualidad,
pues al ser la rosa un elemento con tantos significados, los ha perdido ya casi
todos, es decir que puede significar muchas cosas y al mismo tiempo ninguna.
De esta misma manera, este proyecto como mera excusa para
explorar y desarrollar mi metodología de diseño podría ser el nombre desnudo de
la rosa, sin embargo, encuentro en esta novela cada una de las cosas que me
interesan y menciono en este documento. Como primer tema el autor define el
título como una clave interpretativa, es por esto que elige algo vago como el
nombre de la rosa pues se refiere a su obra como una máquina de generar
interpretaciones y espera lograrlo mediante el uso de los signos y símbolos de
los cuales tiene un amplio conocimiento.
Es verdaderamente interesante ver cómo por encima de todo pone la palabra como signo, como enfrenta religión y ciencia mediante la capilla y la biblioteca o Jorge y Guillermo (que a su vez simbolizan corrientes filosóficas, posiciones del conocimiento y personajes reales) en una época tan cargada de simbología como lo es la edad media.
En el medio evo destaca la fuerza de los símbolos que rigen la vida de toda la cristiandad, especialmente los monjes, dan lugar a leyendas y creencias en las cuales se desdibuja la realidad, donde se encuentra a Dios en cada parte buena o mala de la naturaleza, pero donde al mismo tiempo no hay lugar para pasiones o desorden, y es entonces cuando estos sentimientos reprimidos se manifiestan en el arte en lugares como frescos o miniaturas, donde por más antinaturales que sean, cobran validez en lo castigado por Dios, pues como menciona el monje Ubertino “también en la maldad encontramos la presencia del señor” y es mediante este orden de ideas que lo antinatural adquiere la característica de posible en las reglas del imaginario medieval, trayendo un excelente conflicto de límite entre realidad y ficción; conflicto que también se presenta en el carácter mismo de novela histórica donde Eco utiliza acontecimientos reales para implantar sus personajes posibles; La novela de Eco es en palabras un conjunto en donde se reúne la dicotomía realidad - irrealidad, la problemática de los símbolos y signos en los detalles, incluyendo obviamente elementos históricos, sociales y religiosos expresados en una narrativa que echa mano de descripciones de elementos visuales como lo son la arquitectura, el arte e incluso la indumentaria.
Es verdaderamente interesante ver cómo por encima de todo pone la palabra como signo, como enfrenta religión y ciencia mediante la capilla y la biblioteca o Jorge y Guillermo (que a su vez simbolizan corrientes filosóficas, posiciones del conocimiento y personajes reales) en una época tan cargada de simbología como lo es la edad media.
En el medio evo destaca la fuerza de los símbolos que rigen la vida de toda la cristiandad, especialmente los monjes, dan lugar a leyendas y creencias en las cuales se desdibuja la realidad, donde se encuentra a Dios en cada parte buena o mala de la naturaleza, pero donde al mismo tiempo no hay lugar para pasiones o desorden, y es entonces cuando estos sentimientos reprimidos se manifiestan en el arte en lugares como frescos o miniaturas, donde por más antinaturales que sean, cobran validez en lo castigado por Dios, pues como menciona el monje Ubertino “también en la maldad encontramos la presencia del señor” y es mediante este orden de ideas que lo antinatural adquiere la característica de posible en las reglas del imaginario medieval, trayendo un excelente conflicto de límite entre realidad y ficción; conflicto que también se presenta en el carácter mismo de novela histórica donde Eco utiliza acontecimientos reales para implantar sus personajes posibles; La novela de Eco es en palabras un conjunto en donde se reúne la dicotomía realidad - irrealidad, la problemática de los símbolos y signos en los detalles, incluyendo obviamente elementos históricos, sociales y religiosos expresados en una narrativa que echa mano de descripciones de elementos visuales como lo son la arquitectura, el arte e incluso la indumentaria.
También introduce Eco elementos de pensamiento aristotélico
y sabiduría oriental mediante el personaje de Guillermo, que simbolizan la
renovación de las ideas de occidente en diversos campos; los límites entre las
cosas empiezan a desdibujarse para dar lugar al conocimiento, al arte, al
renacimiento en general; así como me gustaría desdibujar límites entre
disciplinas del diseño en pro de un diseño integral, de una dirección de arte.
Finalmente cabe aclarar que debido al amplio conocimiento de
Eco en campos de símbolos e imágenes, el nombre de la rosa es de alguna manera
un punto de paso esencial para aquellos interesados en la imagen y la
codificación de todo lo que se puede comunicar (directa e indirectamente) a
través de ella. Además, como el resto de elementos desglosados en este escrito,
es mi libro favorito.
- Bibliografía
Joly, Martine. La interpretación de la imagen
Berger, John. Modos de ver
Burke, Peter. Visto y no visto
Barthes, Roland, Systhème de la Mode
Eco, Umberto. Elnombre de la Rosa
Eco, Umberto. Apostillas a el nombre de la rosa
Instituto de Investigaciones Estéticas, En torno al nombre
de la Rosa
Arte.about.com
- Resumen de la historia del arte
- Movimientos artísticos
Wikipedia
- Movimientos artísticos
Wikipedia
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